3 SHORT MOVIES, 1 FESTIVAL • 3 CURTAS METRAGENS, 1 FESTIVAL

Poster do filme DRY • Poster of the film DRY

POR • Entrar em um festival com 1 filme é sempre uma grande alegria, mas entrar com participação em 3 filmes diferentes é sensacional. Os curtas metragens Alegria (cuja direção de fotografia e pós produção são minhas), Invisível (cuja pós produção é minha), ambos do diretor Muller Barone e DRY (cujo roteiro, direção e pós produção são meus) estão todos concorrendo no festival de Pinhais. Muito feliz com todas as duas equipes que me ajudaram a realizar a façanha.

ENG • To get one film in a film festival is always great, but to get 3 different films in a festival is sensational. The shorties Joy (which the direction of photography and post production were mine), Invisible (which the post production is mine) both from the director Muller Barone andDRY (which the screen write, direction and post production are mine) are all competing in the III Festival de Cinema de Pinhais. I'm very happy with both teams that helped me achieving this.

Frame do filme Alegria • Frame from the film Joy

Frame do filme Invisível • Frame from the film Invisível

DOWNTOWN LA

POR •  Los Angeles é uma cidade com muitas facetas diferentes onde você encontra praticamente tudo. Em termos geográficos a segunda cidade mais populosa dos Estados Unidos oferece entre suas paisagens urbanas, praias, montanhas, grandes areas planas, bairros residenciais enormes e uma área central com uns bons arranha-céus. Foi nesta area central que resolvi fazer uma breve excursão urbana com o intuito de registrar fotograficamente aquela parte da cidade. Não fosse a quase ausência de pessoas nas ruas por ser sábado, alguns lugares até lembram algumas ruas de Nova Iorque. Foi coberto apenas um pequeno trecho, do Grand Central Market,  na 317 South Broadway, entre a Terceira e a Quarta ruas até o Nokia Theater, ao lado do Grammy Museum, na Figueroa, entre a Olympic Boulevard e a Chick Hearn. Além do vários edifícios comerciais, existem muitas lojas, galerias, hotéis, museus, bares e restaurantes. Uma ótima região para quem quer variedade. A experiência serviu pra ter a certeza que outras expedições serão feitas por lá.

ENG • Los Angeles is a city with lots of facets where you find virtually everything. In geographic therms, the second most populous city of the United States offer urban landscapes, beaches, hills, wide flat areas, huge residential neighborhoods and a downtown area with some good skyscrapers. It was in this downtown area that I decided to make a brief urban excursion with the intent of capture in photographs that part of the city. If it wasn't the virtual absence of people on the streets, because it was Saturday, some places even looked like some streets of New York. Just a small section was covered, from the Grand Central Market, on the 317 S. Broadway, between the 3rd St and the 4th St, to the Nokia theater, besides the Grammy Museum, at Figueroa St, between the Olympic Blvd and the Chick Hearn Cl. Besides the various comercial buildings, there are many stores, galleries, hotels, museums, bars and restaurants. A great region for the ones looking for variety. The experience gave me the certainty that other expeditions will take place there.

  

ARBITRAGE

Michelle Rodriguez, Mohamed Al Turki, Nicholas Jarecki, Nate Parker and Saga Elmotaseb.

POR • Os eventos da NYFA não se baseiam somente em lançamentos cinematográficos. Relembrando um filme que rendeu a Richard Gere uma indicação ao Globo de Ouro, A Negociação (2012), tivemos a oportunidade de rever o filme e participar da tradicional sessão de perguntas e respostas. A surpresa desta vez foi que além do convidado especial, o produtor Mohamed Al Turki, no último instante apareceram também outros 3 figuras inesperadas: a atriz Michelle Rodriguez, o diretor do filme e ex aluno da NYFA, Nicholas Jarecki e um dos atores coadjuvantes do filme, Nate Parker. O que seria uma sessão de perguntas e respostas se tornou um animado bate papo entre os amigos e a platéia ali presente. O evento foi moderado pela produtora e instrutora da NYFA Saga Elmotaseb.

Mohamed Al Turki, da Arábia Saudita, comentou sobre a dificuldade não em se fazer filmes em seu país, mas sim em distribuí-los por lá. Dinheiro existe, até demais, pois muitos filmes são produzidos e engavetados logo após breves temporadas locais pois simplesmente não existe a necessidade de se ter lucro com eles. Fato este que levou o jovem produtor a buscar outras paragens, começando com pé direito em 2010 com a indicação do filme The Imperialists Are Still Alive! (2010) ao melhor filme em Cannes. Ele produziu e Zeina Durra Dirigiu. Mais tarde o filme foi premiado no Warsaw International Film Festival no mesmo ano e também no San Francisco International Asian American Film Festival em 2011.

Nicholas Jarecki, também muito jovem, trabalhou com Angelina Jolie em Hackers (1995) e tem escrito e dirigido diferentes projetos entre longas metragens e documentários. Ele destaca, como diretor, a necessidade de ler e estudar muito os mais diversos assuntos. Além disso, para ele um dos segredos para se fazer um bom filme é constituir uma boa equipe. Gerir o tempo também é fundamental, pois nunca tem-se o que se deseja, e vale a velha máxima, tempo é dinheiro e isso não se esbanja, mesmo em Hollywood.

Michelle Rodrigues não participou do filme em questão, mas engrossou o caldo com alguns bons comentários sobre sua atividade como produtora. Extremamente despojada e a vontade a estrela de Velozes e Furiosos e Avatar, entre outros, disse que no mercado de cinema, ser profissional é fundamental. No que se refere a atores, deve-se dar espaço aos mesmos, deixando-os confortáveis, mas sem perder a disciplina.

Nate Parker, além de atuar também está dirigindo e escrevendo. Para ele o fundamental no cinema é o trabalho duro, diferente daquela visão romanceada de que os cineastas trabalham tranquilamente dentro de cafés pela cidade.  Concordo com a parte do trabalho duro, mas sou obrigado a dizer que sim, muitas reuniões de pre-produção acontecem dentro dos muitos cafés que temos pela cidade. Aqui mesmo no Starbucks a meia quadra de casa, em Los Angeles (tecnicamente Studio City), tem um grupo de roteiristas, produtores e outros profissionais que batem ponto religiosamente todos os dias.

Outro dia passei por ali e atravessei uma roda que, pelo poucos segundos de conversa que ouvi estava no meio de uma reunião de casting. E não eram de nenhum estudiozinho de esquina, alguns trajavam uniformes de um dos grandes estúdios de Hollywood. Não vou entregar aqui pra não estragar a alegria deles, mas que eles estava lá  discutindo os atores e os papéis de uma produção isso não dá pra negar!

ENG • The NYFA events are not based only on the latest cinematographic productions. Recalling a film that gave Richard Gere a nomination for the Golden Globe, Arbitrage (2012), we had the opportunity of watching the film again and attending to the traditional Q&A session. This time the surprise was that, besides the special guest, the producer Mohamed Al Turki, on the last minute we had 3 unexpected figures: actress Michelle Rodriguez, Director and ex NYFA student, Nicholas Jarecki and film co-star Nate Parker. What was supposed to be a simple Q&A turned into a joyful chat between the friends and the audience. The moderator was producer and NYFAs instructor Saga Elmotaseb.

Mohamed Al Turki, from Saudi Arabia, talked about how hard it is not to produce films in his country, but to distribute them there. There is money, almost too much, for many films are produced and locked down (and forgotten) after brief local seasons exactly because there is no need for making (more) money. This fact made the young producer look for other places, starting with his right foot in 2010 with the nomination of the feature  The Imperialists Are Still Alive! (2010) for the Best Movie Award in Cannes. He produced it and Zeina Durra directed it. Later the film was awarded at the Warsaw International Film Festival in the same year and also at the San Francisco International Asian American Film Festival in 2011.

Nicholas Jarecki, also very young, worked with Angelina Jolie in Hackers (1995) and have been writing and directing feature films and documentaries. He highlights that, as a director, the need for reading and studying a lot the most different subjects (as a creative and cultural tool). Besides that, for him one of the secrets to make a good film is to build a good team. Manage the time is also essential, because one never gets what one wishes and that old saying that "time is money" becomes true and you don't waste it, specially in Hollywood.

Michelle Rodriguez didn't participate the film in question, but she contributed with some good comments about her actuation as a producer. Extremely uncluttered and easy going, the star of Fast And Furious and Avatar, among others, told that in the film market, being professional is fundamental. Regarding to actors, one must give them space, letting them comfortable, without losing the discipline.

Nate Parker, besides acting is also directing and writing. For him the essence of cinema is hard work, differing from that romantic idea that filmmakers work relaxed in cafes around the city. I agree with the hard working part, but I feel compelled to say that yes, lots of pre-production meetings actually happen in the many cafes we have around the city. Right here, on the Starbucks half a block from home, in Los Angeles (well, technically Studio City), there is a group of screenwriters, producers and other professionals that meet there, religiously, EVERY DAY.

One of these days I was passing by and went through a circle of people and, based on the few seconds of talk that I could hear, they were in the middle of a casting meeting. And, believe me, they were not from some unknown micro studio. Some of them were using uniforms (staff shirts) from a major Hollywood studio. I won't tell which one for I don't want to ruin their fun, but they were really there!

C47'S STORY

POR • Num desses dias, durante uma filmagem aqui em Los Angeles me peguei rindo a toa de uma coisa sobre a qual comentava com frequência com meus alunos do Curso de Cinema do Centro Europeu, em Curitiba. Ali estava eu, dirigindo a fotografia de uma curta, no backlot da Universal Studios, com uma câmera Arriflex BL 35mm no colo e um monte de equipamentos ao redor que juntos somariam algumas centenas de milhares de dólares. Uma equipe de 16 pessoas correndo atarefadas para fazer com que o próximo plano fosse rodado o mais rápido possível. Em meio isso tudo, quem diria, tinha gente correndo atrás de um equipamento fundamental, imprescindível em sets de cinema dos mais simples aos mais complexos. Equipamento sem o qual, as coisas podem complicar bastante no set e eventualmente fazer para uma filmagem milionária. Mas que raio de equipamento seria esse? Objetiva, fotômetro, claquete? Nada disso, era algo bem mais simples, era o tal C47. Mas que diabos é esse tal C47? Bem, nossas mães costumam chamar ele também de “grampo de roupa”, sim daqueles bem baratinhos, de madeira. Apenas de madeira, de plástico não serve porque derrete e de metal queima a mão. Eles são usados para fixar as gelatinas de correção de cor e de difusão nas abas dos barndoors dos fresnéis e demais equipamentos de iluminação. E não é que o equipamento além de simples e barato ainda por cima é versátil? Se você inverter as hastes de madeira ele vira uma continente pinça de madeira, conhecida como C74, para você usar para retirar os scrims aquecidos dos fresnéis.

De onde veio o nome C47? A explicação mais aceita e difundida é a de que há muito tempo atrás, num certo estúdio, um produtor executivo em busca de eficiência e economia, constantemente recusava-se a gastar um centavo que fosse com uma coisa que ele julgava ser totalmente desnecessária, grampos de roupa, de madeira ainda por cima. Num set milionário? quem precisa dessa porcaria? Um belo dia alguém teve a brilhante ideia de, simplesmente substituir na requisição de compras o nome do grampo de roupas pelo seu código da lista de inventário. Adivinhem qual era o código: C47. Resultado, o tal produtor ao se deparar com a tal requisição de verba para compra de C47s, sem saber o que era, achou que deveria ser algo importante, e aprovou o pedido. A estória se espalhou e o nome ficou até hoje.

ENG • One of these days, during a shooting here in Los Angeles I caught myself laughing about a thing that I used to comment often to my students from the Cinema School at Centro Europeu, in Curitiba. There I was, directing the photography of a short movie in the Universal Studios Backlot, with an Arriflex BL35 camera on my lap and a bunch of other equipments around me that would sum up a couple hundreds of thousands of dollars. A crew of 16 people running busy to make the next shot roll as quick as possible. With all that going on, who could tell, there were people running after a fundamental equipment, vital in film sets, from the simplest ones to the most complex and expensive. The lack of this equipment can make things get really complicated and eventually make a millionaire shoot stop. But what the hell of an equipment is this? A lens, a photometer, a slate? Nothing like that, it was something way more simple, a C47. But what the hell is a C47? Well, our mothers usually cal it a clothespin, yes like those really cheap, made of wood. And only the wooden ones, because the plastic ones will melt and the metallic ones will burn your hands. They are used to fix the color and diffusion gels on the fresnel and other light sources barndoors. Besides that, the equipment is not only cheap and simple but also versatile. If you invert the position of the wooden sticks it turns into a pair of wooden tweezers, aka C74, for you to use to take out the hot scrims from the fresnels.

Where did this name C47 come from? The most accepted and spread explanation is that a long time ago, in a certain studio, an executive producer trying to be efficient and economic constantly refused to spend a single cent with what he assumed to be unnecessary for the productions, such as wooden clothespins. One day someone had the brilliant idea of simply replacing the name of the clothespins on the purchase request with the clothespins inventory code. Guess what was the code: C47. When the executive producer saw that code he didn’t know what was it, but he thought it should probably be something important and approved the request. The story spread around and the name was adopted and is used till these days.

JUST A BEER

POR • Just a Beer é um pequeno curta-metragem com um tema pra lá de saboroso, cerveja. Os atores Israel Lister e Alina Smolyar, dos Estados unidos e da Ucrania respectivamente, personificam um casal de amigos que discutem sobre o que é ou não uma cerveja.

ENG • Just a Beer is a little short-movie with a theme that is really tasty, beer. The actors Israel Lister and Alina Smolyar, from the United States and from Ukraine respectively, embody a couple of friends that discuss what really is a beer, or not.

BIRDMAN

Eric Conner, Tova Laiter and Douglas Crise

POR • Ontem tive o prazer de assistir a uma exibição privada, ma NYFA, de Birdman (2014), o longa dirigido pelo mexicano Alejandro González Iñarritu, que o consagrou com o Oscar de Melhor Direção, Melhor Filme, Melhor Roteiro e ainda melhor Cinematografia, para Emmanuel Lubezki. Além do próprio filme, claro, o ponto alto foi o subsequente bate papo com o editor do longa, Douglas Crise.

Crise já vem trabalhando com Iñarritu desde seu outro sucesso, Babel (2006) que lhe rendeu diversas indicações de melhor edição em festivais importantes, incluindo o Oscar. Birdman, como já era sabido, lhe rendeu outras tantas indicações, novamente entre elas a de Oscar de melhor edição, e várias premiações.

Entre os muitos predicados de Birdman, incluindo ai a atuação brilhante de Michael Keaton, e toda a estética do filme, um dos que se destaca quase que silenciosamente, é a edição sensacional. “Edição? Que edição? Só percebi uma meia dúzia de cortes.” - algum espectador mais ingênuo poderia questionar. É exatamente nessa questão que reside uma das grandes mágicas dessa obra, Crise relatou que o filme tem em torno de 100, isso mesmo, CEM, cortes ao longo da narrativa. O grande desafio foi criar a impressão de que não havia nenhum, fazendo a narrativa correr de maneira fluída e contínua, como um grande plano-sequência. Diversas técnicas diferentes foram utilizadas para esconder os cortes, desde algumas mais “tradicionais”, usadas anteriormente por diretores como Hitchcock, que escondia os cortes em passagens de objetos em primeiro plano, até modernas técnicas de rotoscopia e composição de imagens provenientes de takes diferentes em um só. Alguns planos foram unidos também com a utilização de trechos em computação gráfica.

Para que tudo isso desse certo, o processo tradicional de construção de um filme teve que ser subvertido, em parte. O editor, que muito raramente visita o set, nesse caso teve esteve presente durante praticamente todo o processo de filmagem, discutindo e aconselhando o diretor e o restante da equipe plano a plano. Em outras palavras, o editor começou a editar o filme dentro do próprio set. A precisão na captação dos takes foi fundamental para possibilitar a posterior montagem final dos planos aparentemente sem cortes.

Outro grande desafio para o editor foi o fato de que a estrutura e a sequencia dos planos já estava solidamente definida antes mesmo das filmagens iniciarem. Isso deixa pouquíssimo espaço para que o editor realize uma de suas tarefas mais importantes, que é a de dar ritmo a narrativa. A solução encontrada foi o intenso uso de “speedramps” (aumentos na velocidade dos quadros na hora da edição) de até 30% em trechos sem diálogo e de 5% mesmo em alguns trechos com diálogos.

Todo o material foi também filmado com enquadramentos que previam uma área de segurança adicional até 4% maior em torno do frame. Dessa forma as montagens na pós produção tinham mais margem de erro para correções.

Ao todo foram 30 diárias de filmagem, o que é um tempo reduzidíssimo para uma produção desse porte, ainda amais se estivermos falando de um longa-metragem. Um trabalho intenso e inovador que reflete o pensamento final de Douglas Crise: “A cena não significa nada se você não sente nada.”

ENG • Yesterday I had the pleasure of attending to a private screening, at NYFA, of Birdman (2014), the feature film directed by the Mexican Alejandro González Iñarritu, that consecrated him with the Oscars of Best Direction, Best Feature Film, Best Script and yet Best Cinematography for Emmanuel Lubezki. Besides the film itself, of course, the highlight was the following chat with the feature editor, Douglas Crise.

Crise has been working with Iñarritu since his other success, Babel (2006), that gave hime several nominations for best editing in a number of important festivals, including the Academy.  Birdman, as we all knew, gave him several other nominations, to the Academy Awards again and various prizes too.

Among Birdman's various qualities, including Michael Keaton brilliant  performance and all the film aesthetics, one that shines almost silently is the sensational editing. “Editing? What editing? I have only noticed maybe half a dozen edits.” - some naive spectator could say. It is exactly in that question that one of the great magics of this piece lives in. Crise reported that the film has around 100, yes, A HUNDRED, cuts throughout the plot. The big challenge was to create the feeling that there was none, making the narrative flow seamlessly and continuously, as a big oner (long take).

Several different techniques were used to hide the cuts, from the “traditional” ones, previously used by directors as Hitchcock, that hide the cuts in the passing objects from the foreground, to the modern rotoscope and composition of images from different takes into one techniques. Some of the cuts were bound together with the use of CGI too.

For all this to come out right, the traditional filmmaking process was subverted, in part. The editor, which hardly ever visits the set, in this case, was present almost all the time, discussing and advising the director from shot to shot. In other words, the editor started editing the film inside the set. The precision during the capture of the shots was fundamental to make the seamless final cut possible.

Another great challenge for the editor was the fact that the shots structure and sequence was already solid and determined before even the shooting began. This lets very little room for the editor to perform one of his most important tasks, which is to determinate the rhythm of the narrative. The solution he found was the intense use of “speedramps” of up to 30%  in certain parts with no dialogue and up to 5% even in some parts with dialogue.

All the material was also shot within framings with an extra 4% margin around the frame. This way they created more room for corrections on post-production.

In the end it was a 30 day shoot, an incredibly short time for a production of this size, specially if we are talking about a feature film. An intense and innovative work that reflects Douglas Crise's final thought: “The scene means nothing if you feel nothing.”

BOARDS AND BRAINS

POR • Recuperando algumas das atividades anteriores na NYFA, trago neste post um pequeno exercício. Trata-se da adaptação de um roteiro preexistente para um contexto totalmente novo. Em outras palavras, recebemos o roteiro de uma cena e tivemos que criar um conceito para o mesmo, sem saber de onde veio o roteiro. Além da criação do audiovisual em si, o objetivo era criar entrosamento na equipe, que nunca havia trabalhado junto antes, preparando-a para os próximos projetos.

ENG • Recalling some of the previous activities at NYFA, I bring in this post a short exercise. It is an adaptation of a preexistent script into a completely new context. In other words, we received the script of a scene without know where it came from. Besides the creation of the audiovisual itself, the goal was to mesh the crew, that had never worked together before, and prepare for the upcoming projects.